El clásico de Disney ha sido transformado de una manera brillante por  la prestigiosa directora teatral Julie Taymor convirtiéndolo en una única y sofisticada experiencia vital y teatral que ha sido vista por casi 60 millones de personas en todo el mundo.

Con su sorprendente y colorida puesta en escena, el musical transporta al espectador al exotismo africano, con deslumbrantes efectos visuales y evocadoras músicas , constituyendo un nuevo hito en el mundo del espectáculo y un punto de inflexión en el diseño artístico, y en general, en el del género musical que a nadie deja indiferente.

EL REY LEÓN es la mayor producción musical jamás ofrecida en España, donde se presenta por primera y única vez en castellano, confirmando el excelente momento en el que se encuentra el género musical en nuestro país. Hasta ahora este espectáculo ha cosechado más de 70 premios de primera categoría en el mundo, incluyendo el premio Tony® y el de la NY Drama Critics a mejor musical, el Grammy® a mejor álbum musical y también el premio Laurence Olivier (Reino Unido) a mejor coreografía y mejor diseño de vestuario, y tres premios Molière (Francia) a mejor musical, diseño de iluminación y de vestuario.

Germán Schlatter Cortijo, Jefe de Sonido en Stage Entertainment España y primer operador de Disney´s © “El Rey León” (The Lion King), en el Teatro Lope de Vega de Madrid,  ha estado trabajando en musicales desde hace 15 años con diferentes diseñadores de sonido. Sus créditos como primer mezclador incluyen:  Cats, Víctor Victoria, Los Productores,  La Bella y la Bestia Disney©, Fiebre de Sábado Noche, Chicago, Los Miserables, etc... También ha trabajado como diseñador asociado en Despertar de Primavera (Spring awakening)- en Buenos AiresArgentina y como asistente del diseñador Gastón Briski en La Bella è la Bestia de Disney© en Milán, Roma y Moscú.

Germán nos cuenta su experiencia con las mesas Digico:

«Empecé a trabajar con mesas analógicas (Midas XL-200, XL-4, Cadac J-Type..) y más tarde pasé por las DM2000, PM5D y PM1D. Después de esas experiencias, la transición hacia la D5-T fue muy amigable gracias a su interfaz “analógica”, donde uno veía lo que hacía en distintos canales y bancos a la vez.
Conocí el software de la D5-T en el 2006 cuando hicimos “Los Productores” en el teatro Coliseum de Madrid. Además de la superficie de control, contábamos con un módulo TC y una Engine redundante. De a poco fui aprendiendo a usarla hasta llegar a programar la siguiente producción, “La Bella y la Bestia” en el mismo teatro. Del 2008 al 2010 programé la D5T para las producciones de Moscú, Milán y Roma.

Cuando llegó la SD7-T de “El Rey León” experimenté el cambio de manera positiva. La programación ya venía hecha por David Patridge, pero igualmente hubo que adaptarla a nuestro espectáculo. Gracias a haber utilizado la D5-T anteriormente, los errores que cometí en los cambios que me pedía Steve no fueron tan graves, o al menos no me valieron el despido.
 Recuerdo que James Gordon, Gerente de la fabrica DIGICo, en una visita que nos hizo a Madrid allá por el 2006, quiso saber mi opinión como operador de musicales acerca de la D5-T. Le dije que sería útil tener dos tipos de mutes, uno Soft y otro Hard (fuera de toda automatización), para poder silenciar rápidamente los micrófonos que inesperadamente nos hiciesen ruido durante el show. Sinceramente no creo que por ese comentario se haya implementado el “Hard Mute” en las serie SD, pero estoy feliz de tenerlo al alcance de mi mano cuando un micrófono de solapa se rompe en escena. Se nota que han escuchado a los usuarios.

 Desde sus características físicas que cabe destacar, me siento muy cómodo con el ángulo de inclinación de la superficie, que a diferencia de la D5-T12,  te permiten mirar cómodamente al escenario, el guión (si es que lo usas), a la pantalla de video incorporada (donde vemos al director musical) y al Cue List; todo al mismo tiempo!

Además de eso aprecio:

 * La distancia entre faders es ideal para operar este tipo de espectáculos, donde en ocasiones se usan todos los dedos a la vez y éstos no paran de moverse.
* El propio tamaño compacto de la mesa, que incluso operando sentado llegas a todos los controles, reduce el número tradicional de asientos necesarios para montar un  FOH y a la vez aumenta proporcionalmente la felicidad de los productores.
* El diseño de la superficie de control es llamativo, incluso a personas que no son del gremio les atrae. Un colega actor, al que aprecio mucho y que no tiene mucha idea acerca de audio, una vez se quedó impresionado con el diseño y me preguntó si era esta la misma mesa de mezclas que se usa en las grandes discotecas de Ibiza…  sin comentarios.
* La facilidad con que los cambios de asignación a VCA se hacen en la SD7-T es una ventaja asombrosa y nos ahorra mucho tiempo cuando hay que programar cambios de frases o voces entre los cantantes.
* El poder disponer los canales y capas como uno quiera, e incluso repetirlas es algo genial. Tener dos capas con los VCA´s ayuda mucho a prevenir errores cuando un nuevo operador está mezclando sus primeras funciones, la situación se asemeja a la de un coche de una autoescuela.
*La facilidad con la que se pueden cambiar las tarjetas de los racks (Digi racks y SD Racks) a diferencia de otras marcas, es crucial en momentos cuando el tiempo apremia.
* Y lo más importante: suena bien y los EQ´s hacen lo que muestran.

El diseño de sonido de El Rey León es obra Steve Canyon Kennedy, quien en su día fuera Production Engineer en Broadway de shows como Cats, Starlight Express, Song & Dance, The Phantom of the Opera, Carrie y Aspects of Love. Sus créditos como diseñador en Broadway incluyen: Mary Poppins, The Lion King, Jersey Boys (Drama Desk Award), Billy Cristal´s 700 Sundays, Hairspray, The Producers, Aida, Titanic, Big, How to succeed in business without really trying, Crousel & The Who´s Tommy (Drama Desk Award). Junto a John Shivers como asociado (Broadway: “Bonnie and Clyde”, “Hugh Jackman back on Broadway”, “Sister Act”, “Tarzan”, “The Little Mermaid”, “9 to 5” y muchos tantos…) y David Patridge (“Mamma Mia”-Argentina-Mexico-Brasil, “Leap of faith”, “Come Fly away”, “ Flashdance”, “Emma” y otro largo etcétera) dieron forma aportando su sabiduría y vasta experiencia para concluir en lo que escuchamos cada noche en el teatro Lope de Vega de Madrid.

La empresa de alquiler de sonido es la inglesa Autograph S.R. y el montaje se hizo en conjunto con el equipo humano local del show (Germán Schlatter, Adrián Galones, Rubén Bustamante y Efrén Sánchez) y dos personas de Autograph (Dickie & Ben).

A grandes rasgos el control de sonido está formado por:

– Una Mesa de FOH & Monitores Digico SD7-T y en etapa de ensayos se pudo contar con un módulo de extensión EX 007, para más fácil acceso a los canales y programación mientras Germán mezclaba los ensayos.

– Los SFX se disparan desde la mesa hacia dos Qlabs funcionando simultáneamente a través de un RME que permite la conmutación de uno u otro. Las salidas del Q-lab llegan a la mesa via MADI.

– Las reverbs que se utilizan son varias internas de la SD7-T y también una externa Tc Electronic System 6000.

– El monitoraje de la banda está compuesto por un sistema Aviom de 16 canales que se mandan desde la misma SD7.

– El conjunto de la mesa está formado por dos racks conectados por Optocore (banda e inalámbrica) y el Local i/o para las reverbs, CD, etc..

– Algunos teclados de la banda llegan directamente a la mesa via MADI, ya que se utilizan varias salidas independientes para distintos programas/sonidos. Estas señales pasan por un RME Madi Bridge en el foso para duplicar los envíos a ambos Engines y también poder tener otro teclado de back up listo para actuar.

– La mesa está gestionando 133 canales de entrada (46 stereo + 87 mono), y 42 canales de salida (19 stereo + 43 mono).

– El elenco está formado por más de 50 personas (entre principales, coro, bailarines, niños, covers y swings)

– La banda está compuesta por once miembros que incluyen dos percusionistas dispuestos en el patio de butacas y un director musical.

Acerca de la mezcla de El Rey León, Germán nos cuenta: “La mezcla del show es, como la de todos los shows en los que trabajado, difícil, y requiere del 100% de tu energía a cada segundo. A pesar de tener algunos niveles automatizados, la perspectiva general es totalmente artesanal. Pienso que es muy importante el trabajo en equipo, sobre todo con el Director Musical. Por suerte tenemos a James May como DM, que nos ayuda a conseguir un buen balance entre los músicos y entre los cantantes.

En este tipo de espectáculos puedes tener un diseño de sonido excelente, buenos artistas, buenos micrófonos, buena mezcladora, un sistema de altavoces bien ajustado y un operador a la altura de las circunstancias. Pero basta con que cualquier elemento se corrompa o falle, para que todo el conjunto se vea perjudicado seriamente. 

Sonaremos tan bien como el elemento más débil de la cadena y nuestra labor es intentar estar siempre por delante de la situación.
Somos muy afortunados de poder trabajar con estos equipos y artistas de primer nivel y creo que la ventaja de conocer el show tan a fondo hace que la mezcla se pueda perfeccionar a un nivel superior que en cualquier otro tipo de espectáculo que yo conozca. Aunque se representa el mismo espectáculo 8 o 9 veces a la semana, nunca es exactamente igual, la magia está en la parte humana.

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